sábado, 25 de novembro de 2017

VISITANDO UM MUSEU: METROPOLITAN MUSEUM, NOVA IORQUE


Obras do Museu Metropolitan Museum, Nova Iorque 

 



Obra: Noé
Artista: Lorenzo Monaco (Piero di Giovanni) 
Ano: 1408-10
Técnica: Tempera em madeira, terreno dourado
Dimensões: Em geral, 25 7/8 x 17 3/8 pol. (65,7 x 44,1 cm); superfície pintada 22 7/8 x 17 polegadas (58,1 x 43,2 cm)

Estes profetas do Antigo Testamento datam de cerca de 1405-10 e estão entre as obras de arte de Lorenzo Monaco, o principal pintor gótico tardio em Florença. Cada figura possui um atributo de identificação e atinge uma pose retórica. Moisés segura as tabuletas dos Dez Mandamentos; O sacrifício de Isaque antes de Cristo prefigura o de Cristo; Davi, segurando um outro, é considerado um antepassado direto de Cristo; e a arca de Noé prefigura a Igreja. Essas figuras intensas lembraram os estudiosos da escultura de Donatello e Ghiberti. Não é certo se eles foram dispostos de arquivo único ou foram sobrepostos em pares ou se eles formaram um retábulo ou serviram alguma outra função. Um painel que mostra São Pedro pode ter formado o painel central.






Obra: A Dormição da Virgem; (reverter) Cristo carregando a cruz 

Artista: Hans Schäufelein e atribuído ao mestre de Engerda.  
Ano: 1510 
Técnica: Óleo e ouro no abeto 
Dimensões: 55 x 53 1/8 pol. (139,7 x 134,9 cm) 

Este grande painel de dois lados é um dos quatro que formou as asas de um triptych dobrável. Quando aberto, o retábulo mostrou episódios da Vida da Virgem Maria - aqui sua morte ou dormência. A influência de Dürer é evidente na humanidade transmitida nas cabeças individualizadas dos apóstolos e seu clima concentrado de tristeza. Quando fechado, o tríptico monumental a que pertencia esse painel mostrava cenas da Paixão de Cristo. Eles foram pintados por um artista conhecido como o Mestre de Engerda e foram baseados em projetos de Hans Holbein the Elder. Hans Schäufelein interveio em um estágio tardio no processo de pintura, adicionando um atormentador no canto superior direito e alterando a posição do extrator de corda para obter uma expressão mais dinâmica e ativa. O humor dramático da cena é aumentado pelo Cristo emocionalmente destruído, que olha para fora da pintura em vez de descer no chão. 





Obra: O Combate entre Dares e Entellus (Aeneid, Livro V)


Artista: Mestre da Eneida  Ano: 1530-35 
TécnicasEsmalte pintado em cobre, em parte dourado 
Dimensões: 8 7/8 x 7 7/8 pol. (22,5 x 20 cm) 

O europeu do período do Renascimento viu a Roma antiga não só como a origem da civilização italiana, mas também o centro geográfico de uma era de ouro perdida. Esta placa pertence a uma série de pelo menos oitenta esmaltes de Limoges que ilustram eventos da Eneida de Virgílio. O poema épico latino conta a história do lendário herói Aeneas, que escapou do saco e ardente de Tróia pelos gregos e, depois de vagar por algum tempo, instalou-se na Itália, onde seus descendentes fundaram Roma. As cenas não são, no entanto, o produto da imaginação do enamador; em vez disso, são cópias próximas das ilustrações de gravura em madeira para a edição da Ópera do poeta latino, impressa por Johann Grüninger em Estrasburgo em 1502. As mesmas gravuras em madeira foram usadas novamente para a edição publicada em Lyon em 1517. O pintor anônimo dos esmaltes pode ter Utilizou a Estrasburgo da edição de Lyon como modelo, mas os esmaltes são um pouco mais tarde do que qualquer uma das duas. Devido às mudanças feitas em um ponto inicial da série na técnica empregada para contra-amamentar as placas (esmalte do lado reverso), parece provável que a maioria deles tenha sido pintada após cerca de 1530 ou 1533. 






Obra: Juno, sentado em um trono de ouro, pede a Alecto para confundir os trojans

Artista: Mestre da Eneida 
Ano: 1530-35
Técnica: Esmalte pintado em cobre, parcialmente dourado
Dimensões: 9 x 8 pol. (22,9 x 20,3 cm)
Linha de crédito: Fletcher Fund, 1945


O europeu da época renascentista via a Roma antiga não só como um centro geográfico de uma era de outro perdido, mas também, são só como a origem de uma civilização italiana.
Esta placa pertence a uma série de muitos esmalte Limoges, que ilustram eventos da Eneida de Virgílio. "O poema épico latino conta a história do lendário herói Aeneas, que escapou do saco e ardente de Tróia pelos gregos e, depois de vagar por algum tempo, instalou-se na Itália, onde seus descendentes fundaram Roma. As cenas não são, no entanto, o produto da imaginação do enamador; Em vez disso, são cópias próximas das ilustrações de gravura em madeira para a edição da Ópera do poeta latino, impressa por Johann Grüninger em Estrasburgo em 1502. As mesmas gravuras em madeira foram usadas novamente para a edição publicada em Lyon em 1517. O pintor anônimo dos esmaltes pode ter Utilizou a Estrasburgo da edição de Lyon como modelo, mas os esmaltes são um pouco mais tarde do que qualquer uma das duas. Devido às mudanças feitas em um ponto inicial da série na técnica empregada para contra-amamentar as placas (esmalte do lado reverso), parece provável que a maioria deles tenha sido pintada após 1530 ou 1533."







Obra: Virgem e criança com santa catarina de Alexandria

Artista: Anthony van Dyck
Ano: 1630
TécnicaÓleo sobre tela
Dimensões: 43 x 35 3/4 pol. (109,2 x 90,8 cm); com tiras adicionadas 44 1/8 x 37 pol (112,1 x 94 cm)


Santa Catarina está sentada, em seu colo está o menino Jesus. Catarina, uma antiga princesa reconhecida por palmeira de mártir e por pérolas. Ela era mediador de mulheres jovens por conta de seu casório místico com Cristo. "A humanidade calorosa da imagem e a composição elegantemente rítmica refletem a grande admiração de Van Dyck pelos artistas titianos, veroneses e outros artistas do norte da Itália durante seus anos na Itália (1621-27)"







Obra: Bathsheba em seu banho


Artista: Giuseppe Bartolomeo Chiari 
Ano: 1700
Técnica: Óleo sobre tela
Dimensões: 53 1/2 x 38 1/2 polegadas (135,9 x 97,8 cm)


Bathsheba é mostrado em seu banheiro, cuidada por dois servos, enquanto o rei David a olha da varanda do palácio. Davi mais tarde enviou o marido Uriah de Bathsheba para a guerra para ser morto para que ele pudesse se casar com ela. A imagem, entre os melhores de Chiari, é baseada em um trabalho pintado por sua professora Carlo Maratta para o marchês Niccolò Maria Pallavicini. Chiari introduziu uma série de motivos, como o gesto de Bathsheba arrumando seus cabelos, que sutilmente transformam o vigoroso estilo de Maratta nas sensações refinadas e rococó do século XVIII.











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